Kunstlandschaftsfotografie: Der komplette Leitfaden

Inhaltsverzeichnis:

Anonim

Vielleicht haben Sie den Begriff gehört Kunst Landschaftsfotografie.

Aber ist Kunstlandschaftsfotografie etwas, das Sie anstreben sollten? Und was unterscheidet ein Kunstfoto von einem Schnappschuss?

In diesem Artikel erkläre ich Ihnen alles, was Sie über Landschaftsaufnahmen in der bildenden Kunst wissen müssen. Zunächst erkläre ich, was es eigentlich ist - und ich gebe Ihnen viele Tipps, mit denen Sie Ihre eigenen Landschaftsfotos verbessern können!

Lass uns anfangen.

Was ist Kunstlandschaftsfotografie?

Einige Begriffe sind schwer zu definieren, und Kunstfotografie fällt in diese Kategorie.

"Auf jedem Bild sind immer zwei Personen: der Fotograf und der Betrachter."

- Ansel Adams

Bei der Kunstfotografie geht es jedoch weniger um das Thema als vielmehr um den Fotografen. Ihr Ziel in der Kunstlandschaftsfotografie ist es nicht, Ihrem Betrachter einfach zu zeigen, was Sie gesehen haben. Es geht darum zu kommunizieren, wie es sich anfühlte, dort zu sein und wie Sie sich in der Szene gefühlt haben.

Am Morgen, als ich diese Aufnahme im Yellowstone-Nationalpark machte, war es unter Null. Ich fügte einen bläulichen Ton hinzu, um dem Betrachter zu helfen, die Kälte zu spüren, die ich beim Erstellen des Bildes empfand.

"Fotografie sieht für mich nicht aus, es fühlt sich an. Wenn du nicht fühlen kannst, was du siehst, wirst du andere niemals dazu bringen, etwas zu fühlen, wenn sie deine Bilder betrachten. "

- Don McCullin

Wie kommuniziert man Gefühle durch Fotos?

Hier sind einige Tipps, die Sie bei der Aufnahme von Landschaftsfotografie berücksichtigen sollten.

Dieses Bild ist ein Favorit, weil es sich "anfühlt". Ich denke, es macht einen guten Job, um die kalte, feuchte, neblige Atmosphäre eines Morgens in der Columbia Gorge von Oregon zu vermitteln, einem Ort, an dem der Nebel oft dicht hängt.

1. Überlegen Sie, was Ihr Bild einzigartig machen würde

Haben Sie jemals ein Landschaftsfoto an einem Ort gemacht, an dem andere Fotografen neben Ihnen aufgereiht sind und auch an der Szene arbeiten?

Die meisten von uns haben.

Die zu stellende Frage lautet:

Wie wird Ihr Foto anders, einzigartig und besonders sein? Was zeichnet Ihr Image aus? Wie können Sie Ihre einzigartige Signatur auf die Aufnahme setzen?

Die Auswahl, die Sie treffen, um ein Bild zu erstellen, das eindeutig Ihnen gehört Angelegenheit. Jeder Koch kann einem Rezept folgen, und wenn ein Dutzend Köche alle nach demselben Rezept arbeiten, sind die Gerichte im Wesentlichen nicht zu unterscheiden. Der Gourmetkoch, der sein charakteristisches Gericht zubereitet, wird sich jedoch bemühen, das Essen einzigartig zu machen.

Und als Kunstlandschaftsfotograf sollte Ihr Ziel dasselbe sein.

Fast jeder liebt ein Sonnenuntergangsfoto, wahrscheinlich weil wir uns so fühlen. Das Einfügen von Gefühlen in Ihre Landschaftsfotos ist ein großer Teil dessen, was ein Bild in den Bereich der „bildenden Kunst“ bringt.

"Bei großartiger Fotografie geht es um Gefühlstiefe, nicht um Schärfentiefe."

- Peter Adams

2. Seien Sie absichtlich und absichtlich

Wenn sich das Licht schnell ändert, muss sich ein Landschaftsfotograf möglicherweise schnell bewegen. Die meisten Landschaftsaufnahmen können jedoch langsam und nachdenklich gemacht werden.

Anstatt einfach eine Szene zu sehen, Ihr Stativ zu positionieren, zuerst zu fotografieren und später Fragen zu stellen, machen Sie das Gegenteil. Beobachten Sie die Szene sorgfältig, bevor Sie Ihre Kamera berühren. Langsamer.

Fragen Sie sich, was Sie zuerst an der Szene interessiert hat. Welches Gefühl löst das in Ihnen aus? Wie können Sie die Aufnahme am besten komponieren? Was wäre, wenn Sie sich höher oder tiefer zu einem anderen Aussichtspunkt bewegen und ein anderes Objektiv verwenden würden? Was können Sie tun, um Ihre Gefühle am besten im Rahmen festzuhalten?

Das Morgenlicht, der Nebel und der Wald machten es zu einem magischen Morgen, als ich die Gelegenheit hatte, im Groton State Forest in Vermont zu fotografieren.

Sei niemals ein One-and-Doed-Shooter. Nutzen Sie die sofortige Wiedergabefunktion Ihrer Kamera, bewerten Sie Ihr Bild und entscheiden Sie, was besser sein könnte.

Dann machen Sie noch ein paar Aufnahmen.

Obwohl er kein Fotograf ist und nicht über Landschaftsfotografie spricht, bietet der berühmte Hockeyspieler Wayne Gretsky immer noch Ratschläge, an die sich Fotografen erinnern sollten:

Sie verpassen 100 Prozent der Aufnahmen, die Sie nie machen.

Wayne Gretsky

3. Üben Sie die Vorvisualisierung

Sie werden wissen, dass Ihre Fähigkeiten als Fotograf zunehmen, wenn Sie Ihr Foto sehen können, bevor Sie überhaupt den Sucher im Auge behalten.

Schließlich sollten Sie Ihr fertiges Bild vorab visualisieren, die Vision haben und dann einfach die Kamera als Instrument verwenden, um diese Vision zu erfassen.

Es ist eine schöne Schleife:

Je mehr Sie fotografieren, desto besser können Sie sehen - und je besser Sie sehen, desto besser werden Ihre Fotos.

Ich war schon oft an diesem Ort und hatte daher eine gute Vorstellung davon, was ich wollte, als ich dorthin ging, um dieses blaue Stundenbild zu machen. Ich habe es ein bisschen mehr mit einem geteilten Schnitt geholfen.

"Die Kamera ist ein Instrument, mit dem Menschen lernen, wie man ohne Kamera sieht."

- Dorothea Lange

Aber während die Vorvisualisierung wichtig ist, sollte die Landschaftsfotografie der bildenden Kunst immer offen für Zufälle sein: jene unerwarteten Momente, in denen sich das Licht ändert, die Engel singen und das Wunder für einen kurzen Moment erscheint, den Sie einfangen können.

Es gab oft Zeiten, in denen ich eine Aufnahme vorab visualisiert, eingerichtet und auf das Licht gewartet habe, nur um aus heiterem Himmel etwas Erstaunliches hinter mir erscheinen zu lassen.

Üben Sie die Arbeit mit Ihren Kamerasteuerungen, damit Sie in einem solchen Moment schnell reagieren und die Aufnahme machen können.

Ich war damit beschäftigt, den ersten Schuss zu machen, der schön war und sogar einen Regenbogen hatte. Dann drehte ich mich um und es gab eine zweite großartige Gelegenheit. Sei immer bereit für diesen zufälligen Moment.

4. Kunstlandschaften sind nicht nur monochrom

Google "Fine Art Fotografie", und Sie werden meistens Schwarzweißbilder (monochrom) sehen. Vielleicht aufgrund ihrer langen Existenz sowie einer großen Anzahl früher Fotografen, für die Schwarzweiß die einzige Option war, sind monochrome Fotografien in der Welt der bildenden Kunst möglicherweise zahlreicher als Farbbilder.

Das heißt aber nicht, dass Farbbilder nicht auch als Kunstfotografien betrachtet werden können.

Kehren Sie zu unserer Definition zurück: In der Kunstfotografie geht es mehr um den Künstler / Fotografen und seine Vision als um den Inhalt der Fotografie. Ob Farbe oder Monochrom, die beste Art, eine Vision darzustellen, hängt von der Absicht des Herstellers ab.

Ich hatte bereits entschieden, dass dieses Foto eines alten Baumstumpfes einfarbig sein sollte, als ich es machte. Sie können sehen, dass die Farbversion in Ordnung ist. Die geteilte monochrome Aufnahme ist ein besseres Beispiel für ein Kunstbild.

"Was ich an Schwarzweißfotos liebe, ist, dass sie eher das Buch lesen als den Film sehen."

- Jennifer Price

Denken Sie jetzt an die Stärken der Schwarzweißfotografie. Ohne Farbzusatz stützen sich monochrome Bilder mehr auf die Grundlagen, die „Knochen“ eines guten Fotos: Linie, Form, Form, Ton und Textur.

Schwarzweißbilder sind in der Regel einfacher, wobei dem Motiv mehr Aufmerksamkeit geschenkt wird. Manchmal kann ein monochromes Bild ein besseres Aussehen oder eine bessere Stimmung vermitteln als sein farbiges Gegenstück.

Ich mag sowohl die Farb- als auch die Schwarzweißversion dieser Aufnahme und denke, dass beide als Kunstlandschaftsfotografie klassifiziert werden könnten.

Bei der Entscheidung, ob ein Bild in Farbe oder Schwarzweiß am besten ist, muss der Kunstfotograf zum Ziel zurückkehren und sich fragen:

Welche Version vermittelt am besten die Gefühle und Visionen, die ich beim Erstellen des Bildes hatte?

Das und nicht irgendeine Vorstellung, dass Kunstfotografien immer monochrom sind, sollte die Richtung bestimmen, in die der Fotograf geht.

Ein Vorteil von Monochrom besteht darin, dass es bis zu den „Knochen“ eines guten Bildes - Linie, Form, Form, Ton und Textur - reichen kann, während Farben entfernt werden, die von diesen Grundlagen ablenken würden.

5. Hab keine Angst, die Realität zu verändern

Wir sprachen über Kunstfotografie, bei der es weniger um eine genaue Interpretation eines Motivs als vielmehr um die Gefühle und Visionen des Fotografen ging.

Wer sagt also, dass Sie Ihr Image nicht vollständig ändern können, um diese Dinge besser zu vermitteln?

Techniken wie lange Verschlusszeiten, um sich bewegende Objekte zu verwischen, und sehr kurze Verschlusszeiten, um sich schnell bewegende Objekte vollständig einzufrieren, sind in der Kunstfotografie genau richtig.

Erfahren Sie, wie Sie lange Verschlusszeiten verwenden, um Ihre Bilder von einfachen Schnappschüssen bis hin zur Kunstfotografie aufzunehmen.

So verwischen Szenen absichtlich mit absichtlicher Kamerabewegung (ICM) und verwenden spezielle digitale Werkzeuge, um einem Bild ein „malerisches“ Aussehen zu verleihen.

Infrarotfotografie oder andere Techniken, die Farben verändern? Sicher!

Kunst ist völlig subjektiv, ebenso wie die Landschaftsfotografie der bildenden Kunst.

Wie Sie eine Szene darstellen, ist Ihr Vorrecht, bei dem der „richtige Weg“ das ist, was Ihre Gefühle und Ihre Botschaft am besten kommuniziert.

Ich wollte mit diesem Bild zwei Dinge tun: Betonen Sie die Kälte, die ich mit einem Weißabgleich in Richtung der Blautöne gemacht habe, und betonen Sie das gefrorene, statische Eis gegen den Flussfluss, was ich mit einer langen Verschlusszeit tat. Verwenden Sie Ihre Kamera als Werkzeug, um Ihre Sicht zu erfassen.

"Ich glaube wirklich, dass es Dinge gibt, die niemand sehen würde, wenn ich sie nicht fotografieren würde."

- Diane Arbus
Gehen Sie mit Ihrer Kunstfotografie abstrakt und probieren Sie abstrakte Bilder aus. Absichtliche Kamerabewegung (ICM) kann einige schöne Ergebnisse liefern.

6. Experimentieren Sie mit der interpretativen Bearbeitung

Ich habe viel über den Satz "Richtig in die Kamera bringen" gelesen, dem ich sowohl zustimme als auch nicht zustimme. Ja, ich glaube, man sollte die Kamerasteuerung beherrschen, um die bestmögliche Belichtung eines Bildes im Feld zu erzielen.

Ich habe diese Aufnahme von Grand Fountain Geyser im Yellowstone National Park etwas früher am Abend gemacht. Bei der Nachbearbeitung habe ich die Farbe in Richtung der kühleren Töne genommen.

Ja, es ist wichtig, das bestmögliche Bild vor Ort zu erzielen. Niemals sollte eine Bearbeitungssitzung eine Rettungsmission sein, bei der Sie versuchen, Fehler beim Schießen zu überwinden. Das Korrigieren eines Bildes in Photoshop ist eine Option, aber normalerweise keine gute.

Wenig später am Abend habe ich diese zweite Aufnahme gemacht und sie mit wärmeren Tönen bearbeitet!

Das Verbessern eines Bildes durch Ausweichen, Brennen oder eine von Dutzenden anderer Bearbeitungstechniken ist jedoch das Kennzeichen eines erfahrenen Kunstfotografen. Die Verwendung von Bearbeitungsfähigkeiten zur weiteren Interpretation eines Bildes, zur Vermittlung von Gefühlen und Absichten ist Teil des Handwerks.

Menschen, die gerne damit prahlen, dass ihre Bilder unbearbeitet und direkt aus der Kamera sind, haben wahrscheinlich nie die Arbeit des vielleicht renommiertesten Landschaftsfotografen aller Zeiten, Ansel Adams, studiert. Er hatte nicht den Vorteil einer digitalen Bearbeitungssoftware, um seine Bilder zu bearbeiten, aber das schreckte ihn nicht ab.

Werfen Sie einen Blick auf einige seiner Vorher- und Nachher-Bilder und Sie werden staunen, wie stark sich zwischen dem von der Kamera aufgenommenen Negativ und dem endgültigen Druck etwas geändert hat.

Mit dieser Einstellung von „Moonlight Over the Eastern Sierra“ wollte ich einen Ansel Adams-ähnlichen Schnittstil.
Wie mache ich das?

7. Geben Sie die Zeit ein

Die Landschaftsfotografie der schönen Künste ist nicht in Eile.

Ich habe gesehen, dass Softwarehersteller behaupten, mit ihren Programmen könnten Sie mit künstlicher Intelligenz schneller arbeiten. Obwohl diese Programme einen langen Weg zurückgelegt haben, bin ich nicht davon überzeugt, dass sie der Qualität der menschlichen Intelligenz der alten Schule und einem vorsichtigeren, wenn auch langsameren Bearbeitungsstil entsprechen können.

Möglicherweise können Sie mit einer Ein-Klick-Voreinstellung einige interessante Ergebnisse erzielen. Wird dies jedoch zu einem Bild führen, das Ihre einzigartige Vision kommuniziert? Wenn Sie einen Himmel durch etwas „Konserviertes“ ersetzen, ist dies möglicherweise dramatischer, aber ist es immer noch Ihr Foto?

Die Bearbeitung künstlicher Intelligenz (KI) macht Fortschritte, aber was ist falsch daran, sich Zeit zu nehmen, menschliche Intelligenz zu nutzen und zu lernen, wie man nach alter Schule arbeitet?

Ich muss auch fragen: Was ist die Eile?

Ich genieße es, Fotos zu bearbeiten und zu sehen, wo ich mit nachdenklicher Arbeit ein Bild aufnehmen kann. Ich weiß, dass es solche gibt, die sich nicht für die Bearbeitung interessieren, und ich denke, das ist in Ordnung. Ich glaube nur, dass die sorgfältigste Kunst Zeit braucht.

Ich habe gelegentlich solche Software verwendet, und Sie auch. Aber anstatt nur die Tricks des Handels zu lernen, wie wäre es, Zeit und Mühe zu investieren, um den Handel selbst zu lernen?

Wenn Kunstlandschaftsfotografie, die Ihren persönlichen Stil und Ihren eigenen Look hat, Ihr Ziel ist, gibt es keine Abkürzungen. Mit Ein-Klick-Voreinstellungen sieht Ihre Arbeit nur so aus wie die aller anderen!

„Sobald Sie gelernt haben, sich darum zu kümmern, können Sie Bilder mit Ihrem Verstand oder auf Film aufnehmen. Es gibt keinen Unterschied zwischen den beiden. “

- Anonym

8. Siehe (k) das Licht

Ich mag verschiedene Arten der Fotografie, von Tischstillleben und Makrofotografie bis hin zu Blitzlichtarbeiten und insbesondere Landschaften. Was die Landschaftsfotografie von vielen dieser anderen Genres unterscheidet, ist die Beleuchtung, der Grad der Kontrolle, den der Fotograf über die Szene hat, und die Leichtigkeit, den gewünschten Look zu kreieren.

Ich kann den gewünschten Look für eine Tisch-Stillleben-Aufnahme vorab visualisieren, sie auf der Küchentheke aufstellen, anzünden, Anpassungen vornehmen und optimieren, bis ich die Aufnahme bekomme, die mir gefällt.

Nicht so bei der Landschaftsfotografie.

Stattdessen muss ich in die Gegend reisen, die ich fotografieren möchte, dort sein, wenn das Wetter mitspielt, das Licht stimmt, das Laub in der Saison ist und alles andere (nichts davon unter meiner Kontrolle) zusammenkommt. Wenn es jemals tut.

Dies ist aber auch die Freude an der Landschaftsfotografie.

Manchmal musst du einfach warten … und warten … und noch etwas warten. Es war den ganzen Tag bewölkt gewesen, aber nur wenige Augenblicke vor Sonnenuntergang, als sich die Sonne dem Horizont näherte, brach der Himmel mit diesem einzigartigen Licht aus. Ich liebe die Stimmung dieser Aufnahme an der Küste von Oregon.

Es könnte bedeuten, geduldig in der Kälte vor Sonnenaufgang zu sitzen und zu hoffen, dass die Wolken genau richtig hereinkommen und der Sonnenaufgang genau so trifft. Sie können kilometerweit wandern, um zu diesem Aussichtspunkt zu gelangen, um einen Sonnenuntergang zu erleben, der niemals kommt, oder Sie können Glück haben und ein plötzliches Gewitter mit dramatischen Wolken und Blitzen über den Canyon kommen.

Der Mangel an Kontrolle ist Teil der Anziehungskraft der Landschaftsfotografie, das Wissen, dass Glück wirklich ist, wenn Vorbereitung auf Gelegenheit trifft.

"Mein Leben ist geprägt von dem dringenden Bedürfnis zu wandern und zu beobachten, und meine Kamera ist mein Reisepass."

- Steve McCurry

Wenn Sie also ein großartiger Landschaftsfotograf für bildende Kunst sein möchten, müssen Sie daran arbeiten. Sie müssen ein wenig opfern, vor Sonnenaufgang aufstehen, lange nach Sonnenuntergang bleiben, an schwierige Orte wandern, Orte suchen, an denen vorbeifahrende Fotografen niemals etwas sehen werden, und sich bemühen, mit Ihren Bildern anders zu sein und nicht nur das aufzunehmen, was du siehst, aber was du fühlst.

Ein stürmischer, launischer Himmel und ein seltsamer, verdrehter Baum, der nach dem Licht greift. Ich mag das Gefühl dieser Aufnahme, die ich "The Creature Rises" nenne.

9. Nehmen Sie ein Thema auf

Manchmal ist es eine gute Möglichkeit, Ihre kreativen Säfte anzuregen, ein Thema zu fotografieren. Anstatt einfach Ihre Ausrüstung zu schnappen und an einen Ort zu gehen, um Landschaftsfotografie mit allem zu machen, was Sie sehen, entscheiden Sie, dass Sie alle Ihre Bilder einem Thema anpassen möchten.

Beschreiben Sie ein Konzept visuell oder machen Sie Fotos, als würden Sie einen Artikel über einen Ort oder ein einzelnes Thema verfassen. Verwenden Sie dann das „visuelle Vokabular“ Ihrer Fotos, um dieses Thema zu beschreiben und zu definieren.

Fügen Sie Ihren eigenen Stil als Landschaftsfotograf hinzu, um zu bestimmen, was Ihr Betrachter über Ihr Motiv wissen und fühlen soll.

Ich mag das ruhige Gefühl dieser gefallenen Herbstblätter, die im stillen, dunklen Wasser eines Flusswirbels schweben. Ich habe über eine Stunde damit verbracht, dieses Thema zu bearbeiten und viele Bilder zu machen.

"Der springende Punkt beim Fotografieren ist, dass Sie die Dinge nicht mit Worten erklären müssen."

- Elliott Erwitt

10. Der Druck ist die Leistung

Heutzutage werden die meisten Fotos, die gemacht werden, wahrscheinlich nie gedruckt. Stattdessen werden sie nur auf Monitoren oder LCD-Bildschirmen angezeigt und manchmal projiziert. In den Filmtagen hatten Fotografen keine solchen Möglichkeiten. Nachdem sie ihren Film gedreht und entwickelt hatten, waren sie erst auf halbem Weg, um den Zuschauern ihr Foto zu zeigen. Drucke waren obligatorisch.

Ansel Adams sah das so:

Das Negativ entspricht der Partitur des Komponisten und der Ausdruck der Aufführung.

- Ansel Adams

Bei der Diskussion über Landschaftsfotografie muss ich die Frage stellen:

Kann ein Foto berücksichtigt werden? Kunst wenn es nur auf einem Monitor angezeigt und nie gedruckt wird?

Wenn Sie überhaupt Zeit in einer Fotogalerie verbracht und sich gedruckte Fotos genau angesehen haben, wissen Sie, dass es keinen Vergleich zwischen dem Anzeigen eines gedruckten Fotos und dem Anzeigen desselben Bildes auf einem Monitor gibt. Drucke können so viel mehr Details, Farben und Töne rendern.

Sogar die Art und Textur des Papiers oder eines anderen Substrats, auf das ein Foto gedruckt wird, kann einen großen Unterschied machen.

Wenn Sie Fotos auf einem Bildschirm anzeigen, wird das Licht vom Bildschirm selbst erzeugt, während beim Betrachten eines Drucks das Licht reflektiert wird. Es ändert die Art und Weise, wie Sie die Aufnahme anzeigen.

Dies ist ein schönes Bild auf dem Bildschirm, aber um es wirklich zu schätzen, müssen Sie einen Ausdruck sehen. Dann, je nach Papiersorte oder vielleicht sogar als Druck auf Acryl oder Aluminium, würde es wirklich platzen.

Um meine Frage anders zu wiederholen:

Muss ein Foto gedruckt werden, um berücksichtigt zu werden Kunst?

Ich könnte beide Seiten argumentieren, aber ich muss gestehen, dass ich ein großer Befürworter des Druckens bin. Ja, das Lernen, gute Drucke selbst zu machen, ist eine ganz andere Fähigkeit und nicht leicht zu erlernen. Es ist eine Herausforderung, einfach die Farbe und Helligkeit eines gedruckten Bildes so einzustellen, dass sie ungefähr dem entspricht, was Sie auf Ihrem Monitor sehen.

Aber ich würde argumentieren, dass das Erlernen des Druckens Teil des fotografischen Handwerks ist.

Sie können Ihre Fotos auch an einen professionellen Drucker übergeben, dessen Spezialität darin besteht, das Beste aus Ihrem Bild herauszuholen. Das ist auch okay. Ich denke, mein Punkt ist, dass der Unterschied zwischen einem gedruckten Kunstlandschaftsfoto und demselben Bild, das auf einem Monitor angezeigt wird, fast so groß ist wie der Unterschied zwischen einem Konzertbesuch und einem Fernsehbild.

„Kunstdrucke, die vom Künstler oder seinem Mitarbeiter erstellt wurden, sind wichtig, da sie die Vision des Künstlers am besten widerspiegeln. Bilder, die auf digitalen Geräten angezeigt werden, unterliegen der Ungleichmäßigkeit verschiedener Anzeigen und können radikal anders aussehen als vom Künstler beabsichtigt. “

- Mac Holbert

11. Ihre Fotos handeln von Ihnen

Was Sie sehen, was Ihr Auge und Ihre Kamera anzieht und wie Sie ein Thema interpretieren, sagt viel über Sie aus.

Selbst wenn Sie nicht bewusst eine „fotografische Vision“ für sich selbst definiert haben, stehen die Chancen gut, dass Sie bei der Überprüfung Ihrer Archive Gemeinsamkeiten in Ihrer Arbeit erkennen können.

Hoffentlich haben Sie ein Bewertungssystem entwickelt (möglicherweise Farbcodierung oder Sternebewertung, wie dies in Lightroom möglich ist), damit Sie bestimmen können, welche Fotos Sie als Ihre Favoriten betrachten. Nehmen Sie sich etwas Zeit, um Ihre besten Aufnahmen durchzusehen und sich Notizen über die Definition von Stilen, Funktionen oder Techniken zu machen.

Was machst du konsequent, das funktioniert und welchen Signaturstil hast du?

"Fotografiere nur, was du liebst."

- Tim Walker
Der Schuss vor dem Morgengrauen auf der linken Seite musste in der Kälte eines Bergmorgens zittern. Der Nebel hing tief über dem Little Redfish Lake in Idaho. In der Aufnahme rechts kann ich immer noch die frische Herbstluft und das Rascheln der Blätter im Espenhain spüren. Hoffentlich bekommt ein Betrachter einen Eindruck von diesen Momenten in meinen Bildern.

Konzentrieren Sie sich speziell auf Ihre Landschaftsbilder und suchen Sie nach Gemeinsamkeiten. Was hat gut funktioniert? Was hat nicht funktioniert? Wie können Sie Wege finden, um auf Ihren Erfolgen aufzubauen und Ihren persönlichen Stil weiter zu definieren und zu entwickeln, damit Ihre Bilder mit Ihrem Betrachter kommunizieren?

"Wir machen Fotos, um zu verstehen, was unser Leben für uns bedeutet."

- Ralph Hattersley

Wenn Sie sich mit dem Thema Kunstlandschaftsfotografie befassen, fragen Sie sich vielleicht: „Entspricht meine Arbeit? Bin ich gut genug, dass meine Fotografien als Kunst angesehen werden können? Gehöre ich zum Elite-Club der Kunstfotografen? “

Ich würde vorschlagen, dass es bei einer Kunstfotografie weniger um die Qualität des Bildes als vielmehr um den Erfolg des Fotografen geht, dem Betrachter etwas zu vermitteln.

Ich kenne die Hintergrundgeschichte hinter diesem Bild, aber Sie als Betrachter nicht. Spricht dieses Bild zu Ihnen? Was sagt es? Was denkst und fühlst du, wenn du es siehst? Gute Fotos sprechen den Betrachter an.

„Gute Fotos sind wie gute Witze. Wenn du sie erklären musst, sind sie nicht sehr gut. "

Anonym

Wenn Sie in der Kunstlandschaftsfotografie oder einem anderen Genre der Fotografie erfolgreich sein möchten, bringen Sie Ihren Fotos bei, für sich selbst zu sprechen. Wenn sie in einer Galerie gezeigt würden, ohne dass Sie dort ein Wort sagen würden, was würden sie einem Betrachter sagen? Was würde eine Person fühlen, wenn sie sie betrachtet?

Ja, ein Foto kann 1000 Wörter wert sein, vielleicht mehr. Aber es muss für sich selbst sprechen!

Kunstlandschaftsfotografie: Fazit

Nachdem Sie diesen Artikel fertiggestellt haben, wissen Sie alles über Landschaftsfotografie.

Und Sie wissen, wie Sie selbst wunderschöne Landschaftsaufnahmen machen können!

Also raus und schießen. Beste Wünsche für Ihre fotografischen Bemühungen!

Das kalte Blau eines Idaho-Wintertages mit nur einem Knall Rot auf einer entfernten Scheune. Dieser sagt viel über mich aus, wo ich wohne, was ich liebe, welche Bilder ich gerne mache. Was sagen deine Fotos über dich?

FAQs zur Landschaftsfotografie

Was ist Kunstfotografie?

Diese Wikipedia-Beschreibung fasst es gut zusammen: „Kunstfotografie ist Fotografie, die im Einklang mit der Vision des Fotografen als Künstler geschaffen wurde und die Fotografie als Medium für kreativen Ausdruck verwendet. Das Ziel der Kunstfotografie ist es, eine Idee, eine Botschaft oder eine Emotion auszudrücken. “

Muss ein Bild schwarzweiß sein, um als Kunstfotografie zu gelten?

Während viele Fotografen bei der Erstellung von Kunstlandschaftsfotos Schwarzweiß verwenden und traditionelle Bilder auf diese Weise erstellt wurden, ist dies keine Voraussetzung. Der Fotograf sollte wählen, welche Darstellung seine Absicht für das Bild am besten vermittelt.

Wie kann mir die Vorvisualisierung helfen, Kunstfotos zu machen?

Gute Fotos werden im Kopf gemacht, und die Kamera wird dann zu einem Werkzeug, um das zu erfassen, was der Fotograf bereits „gesehen“ hat.

Muss ein Foto gedruckt werden, um als „bildende Kunst“ zu gelten?

Nein, aber ein Druck kann viel mehr dazu beitragen, dem Betrachter die Botschaft des Fotografen als greifbares, physisches Objekt mit viel subtilerer Farbe, Ton und höherer Auflösung zu vermitteln. Während jedes Anzeigegerät die Sicht auf das Bild beeinflusst, behält ein Druck das vom Fotografen beabsichtigte Aussehen des Bildes bei. Das Drucken gehört auch zur Kunst und zum Handwerk der Fotografie.

Wenn Sie nur einen Tipp zum Erstellen von Landschaftsfotos geben könnten, welcher wäre das?

Bestimmen Sie, was Ihr Betrachter beim Betrachten Ihres Bildes sehen, denken und fühlen soll, und verleihen Sie Ihrem Foto die Eigenschaften, die es für den Betrachter von selbst sprechen kann.