Anfang des Jahres stieß ich beim Surfen in einer Liste von Fotografen auf Google Plus auf ein Foto, das meine Aufmerksamkeit auf sich zog. Ein junges Mädchen mit rosigen Wangen, großen, großen Augen und einem ernsten Gesichtsausdruck stand an einer grün tapezierten Wand in einer leuchtend roten Jacke und hielt eine Schüssel Kirschen in der Hand.
Das Bild war auf vielen Ebenen beeindruckend - das Motiv, die Farbe, die Pose, der Stil des Bildes und das, was es auf emotionaler Ebene hervorrief, veranlassten mich, zweimal hinzuschauen.
Der Fotograf war Bill Gekas und ein kurzer Blick durch den Rest seiner Arbeit enthüllte einige schöne Bilder mit einem ausgeprägten Stil und Liebe zum Detail.
Heute freue ich mich darauf, ein Interview mit Bill Gekas sowie einige seiner wunderschönen Bilder zu präsentieren. Bill lebt in Melbourne, Australien. Weitere Informationen zu seiner Arbeit finden Sie auf seiner Website und in seinem Blog. Verbinde dich mit ihm auf Twitter und Google+.
Bill - können Sie uns etwas über Ihren Wechsel von Film zu digitaler Fotografie erzählen? Wann und warum haben Sie gewechselt?
Mein Übergang von Film zu Digital erfolgte im Jahr 2005. Bis dahin drehte ich hauptsächlich positive und negative 35-mm-Farben und machte meinen eigenen Entwicklungs- und Dunkelkammerdruck aus 35-mm-Negativ-Schwarzweißfilmen. So gut wie die traditionellen Prozesse zu der Zeit gewesen sein mögen, hat die Umstellung auf digitale Erfassung und Nachbearbeitung gerade eine ganz neue Welt eröffnet, die den Prozess wirklich stark vereinfacht hat.
Welchen Einfluss hatte dieser Wechsel auf Ihre Arbeit?
Dies hatte den positivsten Einfluss auf meine Arbeit, bei der ich entdeckte, dass ich endlich die Bilder in meinem geistigen Auge erstellen konnte, ohne Zeit und Geld mit traditionellen Verfahren zu verbringen! Die digitale Erfassung vereinfachte den Workflow bis zu einem Punkt, an dem die Tools und der Workflow nun ein transparenter Teil des kreativen Prozesses waren und nicht mehr im Weg standen. In diesem Sinne fühlte es sich wirklich befreiend an und wurde sehr begrüßt!
War die Porträtmalerei schon immer ein Schwerpunkt Ihrer Fotografie? Wenn nicht - warum scheinen Sie sich heute so sehr darauf zu konzentrieren?
Die Porträtmalerei wurde ungefähr zur gleichen Zeit im Jahr 2005 zu meinem Hauptgenre. Bis dahin drehte ich wirklich ein bisschen von allem, aber nachdem ich einige erstaunliche Porträtarbeiten der großen früheren Fotografen entdeckt hatte, stellte ich fest, dass die Motive in diesen bekannten Fotografien zwar vollständig waren Fremde hatten sich mit mir verbunden, die Porträts waren unheimlich, fast surreal, und dann wusste ich, dass es sich um Porträts handeln würde, Porträts mit einer Kunstästhetik und einem kreativen Flair, in dem ich historische Referenzen verschmelzen konnte, sei es Licht, Requisiten oder Atmosphäre mit einem moderner zeitgenössischer Ausdruck aus dem Thema.
Ihre jüngste Arbeit hat einen sehr ausgeprägten Stil. Ich zögere, die Arbeit eines anderen Fotografen zu kennzeichnen, aber wie beschreiben Sie sie?
Dieser Stil wird normalerweise als Kunstporträt definiert, und Sie werden feststellen, dass ihm die offeneren, zurückhaltenderen, üblichen lächelnden Ausdrücke von Themen moderner Porträtmalerei fehlen, die derzeit von vielen Porträtstudios in Mode sind. Dies ist ein emotionaler und kreativerer Porträtstil, den eine bestimmte Art von Publikum ansprechend findet.
Können Sie mit uns ein wenig darüber sprechen, was Sie zu diesem Stil der Fotografie hingezogen hat?
Die emotionale, atmosphärische, fast surreale Natur davon! Dies ist die Art von Ausdruck, die Ihr Motiv Ihnen gibt und die Ihnen lange nach dem Betrachten des Bildes erhalten bleibt. Ich glaube, dass Porträtaufnahmen eine Ebene erreichen können, in der wir das Bild nicht mehr sehen, sondern tatsächlich fühlen, und dies hängt im Wesentlichen von der Stärke der Verbindung zwischen Motiv und Fotograf / Betrachter ab.
Ihre Arbeit scheint mir ziemlich sorgfältig geplant zu sein. Wie viel Arbeit steckt in der Vorbereitung Ihrer Fotografie? Woher kommen die Ideen und welche Schritte durchlaufen Sie, um die Idee zu verwirklichen?
Bei dieser Art von Setup-Fotografie mache ich normalerweise das Foto, bevor ich die Aufnahme mache! Dies bedeutet, dass das Foto in der Regel schon Tage zuvor in meinem Kopf aufgenommen wurde und es sich dann nur noch um Vorbereitungsarbeiten handelt. Diese Methode ermöglicht es mir, jeden Aspekt des Shootings und der Nachbearbeitung so weit zu bearbeiten, dass die Recherche- und Vorbereitungszeit 90% der Zeit beträgt und der Rest 10% der tatsächlichen Zeit im Shooting selbst liegt .
Der Schlüssel zur Ausführung eines solchen Shootings besteht darin, alles zu planen, bevor das Motiv die Szene betritt, die Beleuchtung, die Requisiten, die Komposition usw. Von der Überlegung bis zur fertigen nachbearbeiteten Aufnahme, die zur Anzeige bereit ist, kann eine typische Aufnahme durchschnittlich 8 Stunden dauern.
Viele der Ideen stammen aus meiner Wertschätzung der Werke der Malermeister. Caravaggio, Vermeer, Rembrandt, Raphael, Velazquez usw. Aber ich finde auch, dass ich viel Inspiration bekomme, wenn ich ausländische Filme schaue, in denen die Filmszenen eine herausragende Rolle spielen. Durch das Zusammenführen dieser Welten entsteht ein atmosphärisches Porträt.
Natürlich inspiriert jeder Film von Jean-Pierre Jeunet auch zum Erstellen, und ich habe immer ein Notizbuch mit groben Skizzen und Ideen von mir.
Welche Kamera und Beleuchtungsausrüstung verwenden Sie für ein typisches Shooting?
Derzeit fotografiere ich mit einer Pentax K5 DSLR-Kamera und einer Auswahl an Pentax Prime-Objektiven sowie einem 16-45 / 4-Zoom. Kein besonderer Grund für die Verwendung dieser Marke außer einigen alten Objektiven aus der Vergangenheit, die ich noch für ihre neuesten DSLR-Gehäuse verwenden kann.
Meine Kameratasche ist im Vergleich zu meiner Leuchttasche eigentlich recht bescheiden. Die Beleuchtung ist der Schlüssel zu vielen meiner Arbeiten und ich besitze viele Blitzgeräte, einen Einstein-Studioblitz, Lichtmodifikatoren, Reflektoren, HF-Trigger usw. Die meisten meiner Studioarbeiten in Innenräumen werden normalerweise mit einer 28-Zoll-Softbox als Schlüssellicht beleuchtet, manchmal mit einem zweites Blitzgerät mit einem Gitterfleck, der auf den Hintergrund zeigt, um ihn zu beleuchten, und einem weißen Reflektor auf der gegenüberliegenden Seite des Motivs, um einige Schattenbereiche auszufüllen.
Bei einem Outdoor-Shooting verwende ich normalerweise nur ein Licht, das durch einen kreisförmigen Modifikator modifiziert wurde, der eine mittelgroße Oktabox ist, oder fotografiere durch einen Regenschirm. Ich versuche, mit Blitzgeräten aufgrund ihrer Vielseitigkeit davonzukommen, und werde den Einstein-Blitz nur dann wirklich verwenden, wenn ich die Mittagssonne überwältigen muss.
Können Sie uns ein Bild mitteilen, das Sie kürzlich aufgenommen haben, und uns die Idee und Ihre Aufnahme erläutern?
Roter Schal (oben) - Dieses Foto wurde kürzlich in einer Umgebung im Freien aufgenommen, die nicht weit von meinem Wohnort entfernt ist. Eigentlich ist es ein kleiner Schotterradweg, der neben einem Bach verläuft. Die Idee zu diesem Shooting kam von einer ähnlichen Szene, die ich nicht lange zuvor in einem Film gesehen hatte. Es war natürlich anders, aber als Spätherbst, Frühwinter hier auf der südlichen Hemisphäre wollte ich die Saison darstellen und dies sollte mit erreicht werden der Hintergrund und die Auswahl des Kostüms.
Die graue Jacke und die Baskenmütze mussten sich mit einem Element in der Szene verbinden, nämlich dem Schotterweg, das warm gefärbte Laub sollte die Jahreszeit darstellen, und das wichtigste Element in der Szene ist der rote Schal, der unsere Augen auf den Punkt von Interesse lenkt, der ist das Thema. Manchmal ist es wichtig, kräftige Farben zu verwenden, um unsere Augen auf den wichtigsten Punkt des Interesses zu zeichnen und zu verankern. Voraussetzung ist natürlich, dass es in der Szene funktioniert und die anderen Töne ergänzt, ohne fehl am Platz zu schauen.
Technisch gesehen ist dies eine einfache Aufnahme bei f4.0, 1 / 60s am Nachmittag im Vollschatten. Die Brennweite betrug 28 mm aps-c, was bei einem Vollbildsensor etwa 42 mm entspricht. Das Licht war nur ein einziges Blitzgerät mit 1/4 Leistung, das durch einen weißen Schuss durch die Regenschirmkamera rechts abgefeuert wurde.
Weitere Informationen zu Bills Arbeit finden Sie auf seiner Website und in seinem Blog. Verbinde dich mit ihm auf Twitter und Google+.