Kürzlich habe ich einen neuen Leitfaden für Fotografen zu Kameraeinstellungen geschrieben. Sobald Sie sich mit Ihren Kameraeinstellungen vertraut gemacht haben, müssen Sie im nächsten Schritt die Regeln für eine gute Komposition und Gestaltung für Ihre Fotografie lernen.
Hier sind die 10 wichtigsten Tipps, die Sie bei der Gestaltung Ihrer Szene berücksichtigen sollten. Ihr Leitfaden zur Komposition.
Grand Central Terminal und Chrysler Building, NYC
# 1 Wie fließen die Augen des Betrachters durch die Szene?
Ich denke lieber über Komposition nach, als wäre es ein Spiel, um den Augen zu gefallen, und wenn Sie den Augen gefallen wollen, brauchen sie etwas zu tun und irgendwohin zu gehen. Wenn Sie ein Bild erstellen, möchten Sie über den Pfad nachdenken, den die Augen des Betrachters durch die Szene nehmen, und ob dies ein flüssiger Pfad oder ein störender Pfad ist.
- Flüssigkeitspfad - Ein Bild mit führenden Linien, z. B. einer Straße oder einem Bach, oder ein Bild mit Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund, das Ihre Augen allmählich von einer Ebene zur anderen führt.
- Jarring Pfad - ein Bild mit mehreren gut verteilten Motiven, zwischen denen die Augen herumspringen können. Da bei dieser Art von Bild keine Linien zwischen den Objekten führen würden, müssen sie innerhalb der Szene einen guten Abstand haben.
Wenn Sie sich das Foto oben ansehen, werden die Augen direkt zur Grand Central-Statue in der oberen linken und dritten Zeile der Szene geführt, insbesondere weil die meisten Leute von oben nach unten und von links nach rechts lesen. Die Augen werden dann zum Chrysler Building Spire und hinunter zur detaillierten Brücke geführt. Diese drei Elemente bilden eine Dreiecksform, durch die die Augen geführt werden. Die Brücke ist jedoch ein sehr wichtiges Element der Komposition. Sie verhindert, dass die Augen die Szene verlassen, und führt sie zurück in das Bild, wo sie entweder nach oben gehen können Statue oder runter zu den Menschen und Autos auf der Straße.
# 2 Beobachten Sie den Rand Ihrer Bilder
Wenn Sie mit Tipp 1 fortfahren, sollten die Bildränder ausgeglichen sein, damit sich ein Bild ausgeglichen anfühlt. Die Augen neigen von Natur aus dazu, durch ihre Ränder von einem Bild fallen zu wollen. Indem Sie Elemente in die Ecken setzen, halten Sie an, ziehen die Aufmerksamkeit der Augen auf sich und schieben sie zurück in die Szene. Aus diesem Grund haben Landschaftsbilder häufig kleine Zweige von Bäumen oder Laub in den oberen Ecken des Himmels, und deshalb wird häufig Vignettierung verwendet.
Central Park South, NYC
Beachten Sie die Zweige in den oberen Ecken, die die Augen im Rahmen halten. Die Eckelemente arbeiten oft noch effektiver, wenn nur ein Teil von ihnen angezeigt wird.
# 3 Drittelregel versus zentrierte Bilder
Die Drittelregel ist eher ein Vorschlag als eine Regel. Ich habe gesehen, wie Leute es auf die Spitze getrieben haben, aber es gibt so viele Fälle, in denen eine zentrierte oder andere Komposition vorzuziehen ist.
Die Drittelregel bezieht sich auf das Platzieren Ihres Hauptmotivs oder Ihrer Hauptmotive an einem der vier Drittel-Schnittpunkte in Ihrem Foto, die Sie im zweiten Bild unten sehen werden. Dies fühlt sich für die Augen angenehmer an und ermöglicht es Ihnen, gleichzeitig auf ein Vordergrundmotiv auf einer Seite zu fokussieren und gleichzeitig viel Platz für einen interessanten Hintergrund zu haben, um die Szene auszugleichen.
Seidenaustauschgebäude, NYC
Drittelregel
Auf dem obigen Foto sehen Sie, dass das Gebäude durch den Baum in der entsprechenden dritten Zeile ausgeglichen wird, obwohl es sich nicht genau in der dritten Zeile befindet (dies ist keine starre Regel). Die Gebäude an jeder Kante fungieren als Führungslinien und haben den zusätzlichen Zweck, als Kantenrahmen zu fungieren, um die Augen innerhalb der Szene zu halten.
Haben Sie jedoch keine Angst, Ihr Hauptmotiv in die Mitte zu stellen. Ein zentriertes Motiv kann alles andere aus der Szene blockieren und Sie nur auf das wichtigste Element konzentrieren. Dies funktioniert besonders gut mit einem starken Gesichtsausdruck oder einem Blick in die Augen. Darüber hinaus funktioniert dies für symmetrische Szenen, die sich extrem ausgeglichen anfühlen können.
Rucker Park, NYC
# 4 Horizontal - Vertikal oder schief
Es ist immer eine schwierige Entscheidung, ob ein Bild horizontal, vertikal oder leicht verzerrt aufgenommen werden soll. Es gibt viele Gründe, sowohl horizontal als auch vertikal zu fotografieren. Ich stelle jedoch häufig fest, dass Fotografen dazu neigen, sich mehr auf ein Format zu verlassen.
Horizontale Bilder fühlen sich oft natürlicher an, weil sie die Art und Weise nachahmen, wie unsere Augen die Welt sehen. Sie ermöglichen es Ihnen auch, mehr Elemente in Ihr Bild einzufügen, und sie bieten ein einfacheres Format, damit die Augen durch das Bild fließen können.
Ein vertikales Format kann nützlich sein, wenn Sie näher heranrücken und sich auf ein einzelnes Motiv oder einen engen Bereich konzentrieren möchten. Auf diese Weise können Sie Ihr Foto vereinfachen und alle Elemente entfernen, die die Aufmerksamkeit von Ihrem Hauptmotiv ablenken könnten.
Wenn Sie ein horizontales oder vertikales Bild erstellen, möchten Sie sicherstellen, dass Ihre Linien gerade sind. Wenn sie leicht abweichen, fühlt sich das Bild nicht ausgeglichen an. Manchmal möchten Sie Ihre Motive jedoch schräg stellen. Wenn Sie Ihre Motive so verschieben, dass die Szene weder horizontal noch vertikal ist, wird das Foto interessanter und energischer. Es fördert ein spontanes Gefühl und der Mangel an Gleichgewicht kann dem Betrachter tatsächlich gefallen.
Enge, klassische, vertikale Aufnahme vs. energische, verzerrte Detailaufnahme
# 5 Dreiecke und die Nummer Drei
Die dreieckige Form kann für eine gute Komposition in der Fotografie sehr wichtig sein. Dies bezieht sich nicht auf die tatsächliche Form in einem Bild, sondern auf eine Beziehung zwischen drei Objekten, die innerhalb der Szene ein Dreieck bilden.
Solange sich die drei Objekte ausgleichen können, ist dies für die Augen angenehm, da dadurch ein konstanter Pfad durch die Szene entsteht.
Prada-Laden, SoHo, NYC
# 6 Perspektive
Die Höhe, aus der Sie aufnehmen, kann ein wesentlicher Faktor für die Darstellung Ihrer Bilder sein. Wenn Sie Höhe und Kraft in einer Szene hervorheben möchten, gehen Sie tief auf den Boden und neigen Sie die Kamera leicht nach oben. Menschen werden wichtiger und prominenter aussehen, und Objekte wie Bäume oder Berge werden noch größer aussehen.
Wenn Sie dagegen aus einem hohen Kamerawinkel aufnehmen, fühlt sich alles kleiner an und die Leistung nimmt ab. Wenn die Aufnahmehöhe extrem genug wird, kann das Bild sogar ein abstraktes und grafisches Gefühl annehmen.
Achten Sie beim Fotografieren immer auf den Kamerawinkel. Manchmal kann ein leichtes Anheben oder Absenken der Kamera einen großen Unterschied machen.
# 7 Minimalist versus Maximalist
Minimalistisch bezieht sich darauf, ein Foto sehr einfach zu halten, z. B. ein Bild mit einem einzelnen Motiv und einem angenehmen und ruhigen Hintergrund. Dies kann ein sehr leistungsfähiges und grafisches Design erzeugen. In der Einfachheit liegt Kraft. Valerie Jardin hat kürzlich einen guten Artikel über minimalistische Fotografie geschrieben.
Maximalist hingegen bezieht sich auf ein chaotisches Bild, bei dem viele Elemente miteinander konkurrieren und gegeneinander spielen. Innerhalb des Chaos herrscht jedoch Gleichgewicht. Diese Art von Bild ist sehr schwer auf ausgewogene Weise zu erstellen, aber wenn es funktioniert, kann es eine Freude für die Augen sein, die es dem Betrachter ermöglicht, die Szene zu erkunden.
Canal Street, NYC. Gleichgewicht im Chaos
Das obige Bild würde nicht funktionieren, wenn die Motive nicht alle gleichmäßig über die Szene verteilt wären.
# 8 Farbe
Farbe ist ein wesentlicher Aspekt des Designs. Eine starke Farbe auf Ihrem Hauptmotiv kann zusätzliche Betonung hinzufügen, während eine starke Farbe in einem unbedeutenden Element das Gleichgewicht eines Fotos beeinträchtigen kann.
Heutzutage gibt es einen großen Trend zu starken und unrealistischen Farben in der Fotografie, ähnlich wie in Filmen oder auf Instagram. Starke Farben erregen unsere Aufmerksamkeit zunächst besser, aber gedämpfte Farben können genauso interessant sein und eine ebenso gute Stimmung erzeugen wie kräftige Farben, wenn nicht sogar mehr. Erforschen Sie die leichte Entsättigung Ihrer Bilder.
Jede Farbe hat ihre eigenen Eigenschaften und die Fähigkeit, Stimmung innerhalb eines Bildes zu erzeugen. Ein roter Farbton kann einem Foto ein warmes und energiegeladenes Gefühl verleihen, während ein blauer Farbton eine Szene entweder ruhig oder kalt und steril erscheinen lässt. Wie der Porträtfotograf Dan Winter feststellt, "ist Grün eine von Natur aus beruhigende und einladende Farbe und an unsere natürliche Umgebung gebunden." Winters verwendet Grün für viele seiner Porträts.
Hier sind einige Möglichkeiten, wie Farben sich gegenseitig ausspielen können, um das Gleichgewicht zu verbessern:
- Komplementärfarben (Farben auf der gegenüberliegenden Seite des Farbkreises)
- Analoge Farben (Farben nebeneinander im Farbkreis)
- Verschiedene Farben in ähnlichen Farben
- Gleiche Farbe in verschiedenen Farben
Frühling und Bowery, NYC
# 9 Näher kommen und den Rahmen füllen
Dies ist ein sehr wichtiges Konzept. Finden Sie heraus, was im Rahmen von Bedeutung ist, kommen Sie näher und erfassen Sie nur das. Schneiden Sie alles andere aus und umhüllen Sie das Hauptmotiv. Wenn der interessanteste Teil einer Person ihre Augen sind, dann fangen Sie die Augen aus der Nähe ein.
Ladenbesitzer, Trash and Vaudeville, NYC
# 10 Einzigartigkeit und Verstoß gegen die Regeln
Lernen Sie diese Regeln und üben Sie sie, aber denken Sie daran, dass Sie manchmal die Regeln brechen müssen. Sei einzigartig, wann immer es möglich ist. Es gibt nichts Schöneres für das Auge als etwas anderes.
Haben Sie zusätzliche Tipps, die Sie dieser Liste hinzufügen möchten? Bitte teilen Sie in den Kommentaren mit Beispielbildern, wenn Sie einige haben.