Das Bearbeiten von Fotografien an sich ist eine Kunst. Es ist das, was so viele großartige Fotografen legendär gemacht hat. Die Fähigkeit, die Grenzen einer zweidimensionalen Darstellung einer dreidimensionalen Welt zu überschreiten, sie auf eine Art Film oder einen digitalen Sensor zu übertragen und dann und nur dann das Bild nach Belieben zu gestalten.
In der Tat ist es eine Kunst, die die Frage aufwirft: Wo wird die Grenze für zu viel Bearbeitung gezogen?
Wie die Kunst und wie man sie definiert, ist diese Antwort nicht einfach. Wir haben alle unsere Interpretation, aber schauen wir uns einige Parameter an. Es gibt drei Fragen, die Sie sich möglicherweise stellen möchten, wenn Sie das nächste Mal eintauchen, um Ihre Bilder zu bearbeiten.
Was ist meine Absicht?
In den Tagen des Films musste man Absicht haben. Selbst wenn Sie beabsichtigten, „herumzuspielen und einige Dinge zu lernen“, haben Sie erkannt, dass dieses Lernen direkte Kosten verursacht. Diese Kosten waren Film, Papier, chemische Lösungen und Zeit - außerdem Geld.
Jetzt ist das Experimentieren so einfach, dass jedes Kind mit einem iPhone es kann. Ich denke, das ist eine gute Sache. Das Experimentieren ist ein wesentlicher Bestandteil des künstlerischen Ausdrucks und gilt insbesondere für die Fotobearbeitung.
Absicht ist wichtig, wenn Sie experimentieren, wenn Sie lernen, wachsen und Fortschritte machen möchten.
Intent informiert Sie, wenn Ihre Experimente zu weit gehen und Ihre Änderungen zu umfangreich sind. Die Absicht ist ein wunderbarer Führer, mit viel Spielraum, wenn Sie es geben.
Mein Vorschlag hier ist, mit Ihren Bearbeitungsexperimenten Absicht zu haben. Wissen Sie, was Sie durch das Experimentieren gewinnen möchten, und geben Sie eine allgemeine Richtung an.
Bin ich meiner Vision treu geblieben?
Vision ist, wohin Ihre Absicht Sie führt. Eine künstlerische Vision hilft dabei, Grenzen für Ihre Arbeit zu setzen, die oft benötigt werden, damit nicht alles zum Chaos wird.
Vielleicht besteht die Vision eines Porträtfotografen darin, jedes Motiv auf gedämpfte Weise mit sanfter Beleuchtung und harten Details darzustellen. Sie wollen diese Seite jedes Themas zeigen, und das führt immer wieder zu ihrer Absicht. Es ist wiederholbar.
Dies ist eine Bearbeitung, von der der Autor jetzt zugibt, dass sie zu viel bearbeitet wurde, auch wenn es damals Spaß gemacht hat.
Alternativ sind Sie vielleicht ein Landschaftsfotograf, der sich vorstellt, dass Ihre Arbeit eine wahrheitsgemäße Darstellung dessen ist, was Sie erlebt haben, und keine phantasievolle „perfekte Welt“. Sie bemühen sich, die Szene an Ihrem Computer neu zu erstellen, und setzen Werkzeuge für Ihre Endvision ein.
Ohne eine Vorstellung davon zu haben, was Sie produzieren möchten, ist es leicht, sich von dem Sirenengesang wirklich cooler Bearbeitungswerkzeuge beeinflussen zu lassen, die Sie zu den Felsen des Bearbeitungsruins ziehen.
Ist das nachhaltig?
Ich will damit nicht sagen, dass jede Kunst, alle Formen der Bearbeitung, die Sie wählen, für immer andauern müssen. Wir alle durchlaufen Phasen. Dies hat mich bei einer Reise nach Barcelona und einem Rückblick auf Goyas Arbeit in den Jahrzehnten, die er gemalt hat, am tiefsten beeindruckt.
Erstens gab es Goyas frühe Karrierephasen, in denen er die Reproduktion im französischen und italienischen Stil forderte. Dies waren die wichtigsten. Schöne Porträts!
Dann, später, hatte er einen einfacheren Stil. Gefüllt mit einfachen Farben und einer lockeren Interpretation der Welt um ihn herum mit all ihren Spielern.
In einem der letzten Räume befanden sich Exponate von Goyas "Schwarzer Zeit". Holzkohle und dunkle Töne und schlimme Szenen der Not. Nichts wie das, was er zuvor produziert hatte.
Die meisten von uns bewegen sich durch Perioden. Das disqualifiziert keinen von ihnen sofort als Kunst (im redaktionellen Sinne), aber es gibt uns einen guten Spiegel.
Wir sind unser härtester Kritiker, und wir allein können auf die Arbeit zurückblicken, die wir vor einem, fünf oder zwanzig Jahren geleistet haben, und sie für Kunst halten oder nicht. Wenn wir einen Stil sehen, einen Faden, der sich durch alle unsere Werke zieht, ist es leicht zu sagen, dass wir Kunst geschaffen haben. Wenn wir jedoch durch den Vorteil von Zeit und Distanz feststellen, dass etwas, von dem wir dachten, dass es die Knie der Biene sind, jetzt für unsere erfahreneren Augen Müll ist, können wir es beiseite werfen.
Der HDR-Wahn als Beispiel
Vor einigen Jahren, als die digitale Fotografie bei den Massen Einzug hielt, kam der HDR-Wahnsinn. Es war eine Zeit, in der jeder eine bestimmte Technik verwenden konnte, um so genannte HDR-Bilder (High Dynamic Range) zu erzielen.
Für einige war es eine lustige Abkehr von ihrer normalen Routine. Andere sahen es als Chance, alles in einer Szene zu zeigen; vielleicht nicht das gleiche wie ihre Augen sahen, aber besser als die Alternative.
Einige von uns hatten jedes Mal, wenn wir eines dieser Fotos sahen, den Magen umgedreht.
Es war neu und neuartig. Außerdem passte es nicht in die Visionen vieler Fotografen. Heute ist es schwierig, Beispiele für diese frühen Versuche zu finden, die noch reproduziert werden. Es war nicht nachhaltig.
Obwohl es eine Weile Spaß gemacht hat. Besonders für diejenigen, die die Abkehr von der Realität genossen haben.
Ich würde behaupten, dass es sich um zu viel Bearbeitung handelte und dass es aufgrund dessen wahrscheinlich seinen Untergang fand.
Fazit
Während die Entscheidung, was zu viel Bearbeitung vorschreibt, für den Betrachter und seine Erfahrung subjektiv ist, hoffe ich, dass die oben gestellten Fragen Sie bei zukünftigen Bemühungen unterstützen.
Ich bin nicht hier, um Ihre Arbeit zu beurteilen oder um zu sagen, dass Sie sich irren könnten. Diese Stimme und was deine Kunst für dich bedeutet, muss aus deinem Inneren kommen.
Entwickeln Sie Ihre Vision. Bleib treu. Konzentrieren Sie Ihre Absicht darauf. Dann müssen Sie sich kaum Sorgen machen, wenn Sie bei Ihrer Bearbeitung zu weit gegangen sind.