Was einst eine seltsame kleine Nische in der Fotografie war, ist heute ein weltweites Phänomen. Die Food-Fotografie erfreut sich nur dann wachsender Beliebtheit, wenn die 32 Millionen Beiträge, die derzeit auf Instagram veröffentlicht werden, nicht zu übersehen sind.
Food-Fotografie ist hier, um zu bleiben, aber es ist kein leicht zu beherrschendes Genre.
Unser Leitfaden gibt Ihnen einige der wichtigsten Tipps und Tricks, mit denen Sie köstliche Ergebnisse erzielen können.
Ausrüstung
Kameras
Das erste, woran Sie denken müssen, wenn Sie auf der Suche nach einem neuen Kameragehäuse sind, ist die Größe des Sensors.
Unabhängig davon, ob Sie eine Kamera mit einem beschnittenen Sensor kaufen oder in ein Vollbild investieren, wird Ihr Budget wahrscheinlich Ihre Wahl bestimmen.
Wichtig zu wissen ist, dass sich Ihre Kamera und Objektive anders verhalten, wenn sie einen beschnittenen Sensor haben als ein Vollbild.
Jede Kamera hat einen Crop-Faktor. Diese Zahl beschreibt, wie stark die Kamera Ihr Bild im Verhältnis zu den Standard-35-mm-Werten beschneidet.
Eine Vollbildkamera entspricht dem 35-mm-Standard einer herkömmlichen Filmkamera. Es hat eine Sensorgröße von 24 mm x 36 mm. Ein beschnittener Sensor ist kleiner als dieser und daher für Kamerahersteller billiger herzustellen. Es passt nicht zu vielen Objektiven und die endgültigen Bilder sehen anders aus.
Der Canon Rebel hat zum Beispiel einen Crop-Faktor von 1,6. Dies bedeutet, dass Sie das 1,6-fache der Brennweite Ihres Objektivs multiplizieren, um die tatsächliche Brennweite zu erhalten, mit der Ihre Bilder aufgenommen wurden.
Bei einer Vollbildkamera verhält sich ein 50-mm-Objektiv wie ein 50-mm-Objektiv. Setzen Sie dasselbe Objektiv auf eine Kamera mit einem beschnittenen Sensor, es verhält sich eher wie ein 80-mm-Objektiv.
Linsen
Bei Objektiven sollten Sie den größten Teil Ihres Budgets ausgeben. Sie sollten sie als langfristige Investition in Ihr Handwerk betrachten.
Hier sind die zu berücksichtigenden Faktoren:
Schärfe
Ihre größte Sorge beim Kauf eines Objektivs ist die Schärfe.
Prime-Objektive werden beim Aufnehmen von Lebensmitteln bevorzugt, da sie schärfer sind als Zoomobjektive.
Zoomobjektive haben mehr bewegliche Teile, die das Funktionieren des Zooms ermöglichen. Dies führt tendenziell zu einer geringeren Bildqualität und Schärfe.
Prime-Objektive sind normalerweise „schneller“. Sie haben eine größere maximale Blende, was kürzere Verschlusszeiten ermöglicht.
Sie geben Ihnen auch eine viel engere Schärfentiefe, sodass Sie Ihr Motiv isolieren und den wirklich schönen unscharfen Hintergrund erhalten können, den wir alle in der Food-Fotografie lieben.
Das 50mm Objektiv
Das 50-mm-Objektiv kann auch ein nützliches Objektiv sein, insbesondere wenn Sie keinen Zoom haben. Dieses Objektiv eignet sich für Overhead-Aufnahmen und Tischlandschaften. Es kann jedoch zu Verzerrungen kommen, wenn Sie eine Porträtaufnahme machen. In der Lebensmittelfotografie wird das 50-mm-Objektiv tatsächlich als Weitwinkelobjektiv betrachtet.
Das 50-mm-1: 1,8 wird oft als "50-fach" bezeichnet, da es Ihnen anständige Ergebnisse zu einem sehr niedrigen Preis liefert. Wenn Sie gerade erst anfangen und Ihr Budget knapp ist, besorgen Sie sich dieses.
Das 24-70mm Objektiv
Obwohl Primzahlen ideal sind, ist es tatsächlich sehr nützlich, ein Zoomobjektiv in Ihrem Kit zu haben, z. B. ein 24-70-mm-Objektiv.
Es ist sehr scharf für ein Zoomobjektiv und sehr vielseitig. Viele Food-Fotografen betrachten dies als Grundnahrungsmittel in ihrem Kit.
Das 60mm Makro
Wenn Sie mit einem beschnittenen Sensor aufnehmen, ist ein 60-mm-Makro eine gute Wahl.
Bei einem beschnittenen Sensor ist es eher so, als hätte man einen 100-mm-Sensor. Wenn Sie auf Vollbild aktualisieren, können Sie es wie ein 50-mm-Format verwenden.
Mit diesem Objektiv können Sie 3/4-Winkel-Aufnahmen Ihres Motivs mit einem schönen Bokeh auf einem beschnittenen Sensor machen.
Sie erhalten auch nicht die Verzerrung in diesem Winkel, die Sie bei Aufnahmen mit einer größeren Brennweite wie 50 mm erzielen würden.
Das 100mm Makro
Ein ausgezeichnetes Objektiv in Ihrem Kit ist ein 100-mm-Makroobjektiv. Dieses Objektiv eignet sich nicht nur für Makro- oder Nahaufnahmen, sondern eignet sich auch hervorragend für diese.
Wenn Sie sich weiter von Ihrem Set entfernen, erhalten Sie auch sehr schöne Aufnahmen im Porträtstil. Die Brennweite gibt Ihnen einen großartigen unscharfen Hintergrund.
Wenn Sie sich für das 100-mm- / 105-mm-Makroobjektiv eines beschnittenen Sensors entscheiden, werden Sie mit einer Brennweite von 150 mm aufnehmen.
Dies wird eine sehr enge Ernte sein, was ein Problem sein kann, wenn Platz ein Problem ist.
Stative
Ein Stativ ist ein Muss für die Lebensmittelfotografie. Es hilft Ihnen dabei, konsistente Bilder zu erstellen, und gibt Ihren Händen die Möglichkeit, entsprechend dem, was Sie durch Ihre Kamera sehen, zu stylen.
Die größte Anforderung an ein Stativ ist die Stabilität. Ein Stativ muss das Gewicht Ihrer Kamera und Ihres Objektivs tragen können.
Achten Sie beim Kauf eines Stativs auf ein Stativ mit einstellbarer Höhe und Ausrichtung. Hier haben Sie eine mittlere Spalte, die Sie verschieben können.
Stellen Sie sicher, dass es Gummifüße hat, um ein Verrutschen zu vermeiden, und dass es eine hohe Nutzlast hat.
Die Nutzlast bezieht sich auf das Gewicht, dem das Stativ standhalten kann. Es muss das Gewicht Ihrer Kamera, Ihres Objektivs und anderer Zusätze wie einer Halterung oder eines Verlängerungsarms tragen.
Food Styling
Das Ziel des Food-Stylings ist es, das Essen so aussehen zu lassen, wie es am besten ist. Die meisten Lebensmittel müssen ein wenig behandelt werden, damit sie für die Kamera präsentabel aussehen.
Hier sind einige Dinge zu beachten, wenn Sie sich dem Food-Styling nähern:
Verwenden Sie möglichst frische Lebensmittel
Das Essen, das Sie aufnehmen, muss so frisch wie möglich sein, damit es in Ihren Bildern ansprechend aussieht. Achten Sie beim Einkauf Ihrer Zutaten darauf, die frischesten und am besten aussehenden Artikel zu kaufen.
Halten Sie immer Ihre Szene, Beleuchtung und Kamera bereit, bevor Sie Ihr Essen am Set platzieren.
Verwenden Sie beim Anpassen Ihrer Beleuchtungs- und Kameraeinstellungen einen Ersatz in einer ähnlichen Farbe und Form wie Ihr Essen als Ersatz. Ersetzen Sie es im letzten Moment durch Ihren „Helden“ (Ihr Hauptnahrungsmittel), damit es so frisch und appetitlich wie möglich aussieht.
Kaufen Sie mehr als Sie brauchen
Achten Sie beim Einkauf von Lebensmitteln darauf, mehr zu kaufen, als Sie für das Shooting benötigen. Das Essen trocknet aus, schmilzt, wird braun oder sieht innerhalb kurzer Zeit unattraktiv aus.
Es muss durch frischere Artikel ersetzt werden.
Abhängig vom Essen benötigen Sie möglicherweise auch viele Gegenstände, um den Rahmen zu füllen.
Überzug
Der wichtigste Faktor bei der Auswahl der Gerichte, auf denen Sie Ihr Essen präsentieren, ist die Größe.
Objekte können für die Kamera ganz anders aussehen als für das Auge und oft größer als erwartet. Aus diesem Grund ist es eine gute Idee, kleinere Gerichte zu wählen, als Sie normalerweise verwenden würden.
Präsentieren Sie Ihre Motive auf Salattellern oder kleineren Speisetellern. Große Teller können das Hauptmotiv in den Schatten stellen und den Rahmen dominieren.
Garnierungen
Kräuter und Gewürze sowie Produkte wie Croutons können Ihre Essensaufnahmen verbessern.
Zweige verschiedener Kräuter wie Rosmarin können mit einer Küchenschnur zusammengebunden werden, um kleine Blumensträuße herzustellen, mit denen Sie Ihrer Essensgeschichte einen Kontext hinzufügen können.
Sie können eine einfache Suppe mit einem Spritzer Sahne und einer Prise gehacktem Schnittlauch verfeinern.
Der Schlüssel ist, dass Ihre Verzierungen im weiteren Kontext Ihrer Szene Sinn machen sollten. Wenn Sie Lachs mit einer Zitronen-Dill-Sauce schießen, garnieren Sie ihn nicht mit Basilikum.
Verwenden Sie bei der Verwendung von Kräutern möglichst frische und ersetzen Sie diese beim Schießen. Sie welken oder oxidieren schnell. Geschnittene Kräuter können viel länger frisch im Kühlschrank aufbewahrt werden, wenn sie in ein feuchtes Papiertuch gewickelt werden.
Requisiten
Sie benötigen eine Sammlung von Requisiten für die Lebensmittelfotografie.
Eine Requisite ist ein beliebiger Gegenstand, den Sie am Set verwenden, um das Bild zu verbessern. In der Lebensmittelfotografie handelt es sich in der Regel um Küchenutensilien wie Teller und Besteck, Servierschalen und -utensilien sowie Bettwäsche.
Denken Sie bei der Auswahl Ihrer Requisiten an Ihren Food-Fotografie-Stil und welche Arten von Requisiten ihn ergänzen würden.
Wenn Ihr Stil wirklich sauber und elegant oder raffinierter ist, sind solche Requisiten nicht sehr sinnvoll und Sie sind mit feineren Stücken besser dran.
Vermeiden Sie im Allgemeinen sehr helle Farben und kräftige Muster, da diese vom Essen ablenken. Bunte Stücke können einen Punkt von Interesse hinzufügen, aber sie müssen mit der Gesamtkomposition und dem Gefühl des Fotos arbeiten.
Verwenden Sie nicht viele Requisiten. Ein paar der richtigen Requisiten können einen großen Einfluss auf das Erzählen einer visuellen Geschichte haben, aber zu viele lenken den Betrachter ab und dominieren das Bild.
Beginnen Sie bei der Auswahl Ihrer Requisiten mit ein oder zwei Stücken, möglicherweise einem neutralen Salatteller und einem Vintage-Messer oder -Löffel. Wenn Sie Zweifel haben, halten Sie es einfach.
Hintergründe
Sie benötigen eine Vielzahl interessanter Hintergründe, auf denen Sie Ihr Essen platzieren können.
Verwenden Sie eine Vielzahl von Gegenständen für Ihren Hintergrund, z. B. Stoff, Bastelpapier oder große Bodenfliesen. Sie können auch kreativ werden und Ihre eigenen erstellen.
Kaufen Sie Holzplatten und malen oder färben Sie sie selbst. Es gibt auch einige großartige Online-Ressourcen für den Kauf professioneller Food-Fotografie-Hintergründe, die weltweit versendet werden.
Beim Aufnehmen von Lebensmitteln funktionieren neutrale oder kühle Hintergründe wie Blau im Allgemeinen am besten.
Beleuchtung
Beleuchtungsmodifikatoren
Unabhängig davon, ob Sie natürliches oder künstliches Licht verwenden, müssen Sie Ihre Lichtquelle ändern.
Ein wichtiger Bestandteil Ihres Kits ist ein Diffusor. Dies ist eine Platte aus rein weißem Material, die Sie am Rand Ihres Tisches platzieren, um das Licht, das auf Ihre Szene trifft, zu mildern.
Sie benötigen auch einige einfache Werkzeuge, um das Licht zu reflektieren und zu absorbieren. Sie können ein professionelles 8-in-1-Reflektorset mit faltbaren Scheiben aus verschiedenen Materialien kaufen, die Sie für Ihre Aufnahmen verwenden können (siehe Abbildung unten).
Der silberne Reflektor kann zum Beispiel Ihr Essen aufhellen, während der goldene Reflektor Wärme hinzufügt. Es wird normalerweise auch mit einem Diffusor geliefert.
Für eine DIY-Version können Sie auch einfachen schwarzen oder weißen Karton verwenden, der in einem Bastel- oder Dollargeschäft gekauft wurde. Weiß hellt Ihre Szene auf, während Schwarz das Licht absorbiert.
Beleuchtungsstile
Sie sollten eine Vorstellung davon haben, wie Ihr endgültiges Bild aussehen soll, bevor Sie Ihre Kamera in die Hand nehmen. Möchten Sie, dass das Licht weich und dimensional aussieht, oder suchen Sie einen auffälligen Kontrast?
Je größer der Kontrast zwischen hell und dunkel ist, desto dramatischer wird Ihr Bild. Oft bestimmt Ihr Motiv das Licht, das Sie wählen.
Wenn Sie das nächste Mal fotografieren, fotografieren Sie Ihr Motiv sowohl bei weichem als auch bei hartem Licht und beachten Sie den Unterschied. Wie wirkt sich jeder Ansatz auf das Endergebnis aus? Viele Fotografen tendieren dazu, sich als Teil ihres Stils für das eine oder andere zu interessieren.
Seitenbeleuchtung
Dies ist, wenn Ihr Licht direkt neben dem Essen kommt.
Die Seitenbeleuchtung ist ein guter Ansatz für viele Ihrer Food-Fotografien. Es funktioniert für die meisten Setups und ist einfach zu bedienen.
Platzieren Sie einen Reflektor oder eine Bounce-Karte auf der dem Licht gegenüberliegenden Seite. Je nachdem, wie viel Schatten Sie auf der Seite Ihres Lebensmittels haben möchten, bewegen Sie es näher oder weiter weg oder verwenden Sie einen kleineren oder größeren Reflektor.
Wenn Sie weiße und luftige Szenen aufnehmen, möchten Sie immer noch etwas Schatten, um die Dimension zu erhöhen.
Hintergrundbeleuchtung
Hintergrundbeleuchtung ist, wenn Sie Ihr Licht hinter Ihrem Essen positionieren.
Wenn Sie sich das Zifferblatt einer Uhr vorstellen, ist es um 12 Uhr. Dies ist eine ideale Position für Getränke oder Suppen, da sie einen Glanz verleiht und die flüssigen Eigenschaften von Lebensmitteln hervorhebt.
Im Allgemeinen ist die Hintergrundbeleuchtung für Lebensmittel sehr schmeichelhaft. Es lässt es glänzen und bringt seine Textur zur Geltung.
Es kann jedoch schwierig sein, damit zu arbeiten, da Ihr Bild hinten zu hell und vorne zu dunkel sein kann. Zu viel Kontrast bedeutet, dass die Rückseite des Fotos ausgeblasen wird und Detailverluste in das Hauptmotiv verschwimmen. Nicht genügend Kontrast führt zu einem ausgeblasenen oder verwaschenen Foto. Dies passiert, wenn Sie mit zu viel Licht aufnehmen.
Seitliche Hintergrundbeleuchtung
Die seitliche Hintergrundbeleuchtung ist eine Kombination der ersten beiden Beleuchtungsarten. Es ist das Beste aus beiden Welten und das einfachste, mit dem man arbeiten kann. Hier wird unser Licht zwischen 10 und 11 Uhr platziert.
Mit diesem Beleuchtungsstil erhalten Sie den Oberflächenglanz, der durch Hintergrundbeleuchtung erzielt wird, ohne dass die Gefahr einer Überbelichtung besteht. Sie müssen auch nicht so viel Licht auf die Vorderseite des Lebensmittels reflektieren, da das Licht in einem größeren Winkel kommt.
Wenn Sie die seitliche Hintergrundbeleuchtung verwenden, müssen Sie mit der Höhe Ihres Lichts relativ zu Ihrer Szene herumspielen, je nachdem, wie die Schatten fallen sollen.
Je näher Ihre Lichtquelle an Ihrem Gerät liegt, desto weicher fällt der Abfall ab.
Kamerawinkel
Der Kamerawinkel kann sich stark auf Ihr endgültiges Bild auswirken.
Bevor Sie Ihre Kamera in die Hand nehmen, müssen Sie sich überlegen, welche Art von Essen oder Gericht Sie aufnehmen und welcher Kamerawinkel dazu beiträgt, die besten Funktionen hervorzuheben.
Beim Fotografieren von Lebensmitteln werden drei Hauptkamerawinkel verwendet: Overhead, 3/4 Winkel oder Straight-On.
Der 3/4 Winkel
Der 3/4-Winkel ist, wenn Ihre Kamera in Bezug auf Ihr Motiv zwischen 25 und 75 Grad platziert ist.
Der 3/4 Winkel ist ein beliebter Winkel, weil er so vielseitig ist. Normalerweise können Sie die Vorderseite und die Oberfläche der Schale sowie die Seiten anzeigen.
Sie sehen diesen Blickwinkel häufig in der kommerziellen Lebensmittelfotografie.
Der Überkopfwinkel
Der Überkopfwinkel ist der 90-Grad-Winkel. Dies ist in letzter Zeit aufgrund von Instagram zu einem sehr beliebten Blickwinkel geworden.
Dieser Winkel hat definitiv mehrere positive Aspekte. Es ist gut, um mehrere Elemente in eine Szene einzufügen, wie in einer Tabellenlandschaft. Dies macht es auch zu einem großartigen Blickwinkel für das Erzählen von Geschichten. Sie können eine Vielzahl von Requisiten, Zutaten oder Speisen im Rahmen sehen, wenn Sie von oben schießen. Es ist auch oft einfacher, Ihre Aufnahme mit diesem Winkel zu komponieren als mit einem 3/4 Winkel oder geradlinig.
Der Überkopfwinkel funktioniert jedoch nicht für jede Art von Lebensmittelaufnahme. Es eliminiert die Tiefe, die einem Bild einen grafischeren Pop verleiht, ist jedoch nicht für jede Art von Lebensmittel geeignet.
Was Sie beim Überkopfwinkel am meisten betonen, ist die Form des Essens und verschiedene Elemente der Szene.
Der gerade Winkel
Dieser direkte Kamerawinkel eignet sich am besten für „große“ Lebensmittel wie Burger oder Stapel Brownies oder Pfannkuchen. Es betont die Höhe eines Gerichts.
Wenn Sie Burger und Sandwiches schießen, verbirgt das Brötchen oder das oberste Stück Brot das, was sich darin befindet. Daher macht es keinen Sinn, den Schuss von irgendwo über dem Essen zu machen.
Denken Sie daran, das Ziel ist immer, sich auf die besten Eigenschaften des Essens zu konzentrieren.
Komposition
Kompositionswerkzeuge können uns helfen, bessere Fotos zu machen. Allerdings funktioniert nicht jedes Werkzeug für jedes Bild.
Bevor Sie mit dem Fotografieren beginnen, sollten Sie das Ziel Ihres Bildes kennen. Wie ist die Stimmung? Was möchten Sie vermitteln? Was ist der Zweck Ihres Schusses und wie wird er verwendet?
Gute Food-Fotografie ruft die Emotionen des Betrachters hervor. Die Komposition ist eines der wichtigsten Werkzeuge, die uns dabei helfen.
Linie
Linie ist das grundlegendste Element in der visuellen Komposition. Linien führen das Auge durch ein Foto zu wichtigen Brennpunkten und Elementen und halten das Auge des Betrachters auf das Bild fokussiert.
Bei der Arbeit mit Linien sind einige Dinge zu beachten. Wenn Sie Linien verwenden, um das Auge des Betrachters zu lenken, sollten sie auf das Hauptmotiv oder in den Rahmen zeigen.
Linien sollten auch niemals außerhalb des Rahmens zeigen, da die Augen gezwungen sind, das Bild zu verlassen. Dies schwächt das Bild und kann dazu führen, dass der Betrachter das Interesse verliert.
Wahrscheinlichkeitsregel
Die Wahrscheinlichkeitsregel besagt, dass beim Fotografieren einer Gruppe von Objekten eine ungerade Anzahl von Elementen im Rahmen visuell viel interessanter ist als eine gerade Anzahl von Elementen.
Ungerade Zahlen schaffen ein Gefühl von Gleichgewicht und Harmonie und bieten einen Ruhepunkt für unsere Augen, während gerade Zahlen von Objekten unsere Aufmerksamkeit teilen und miteinander konkurrieren können.
Wenn ein Bild mehr als fünf Elemente enthält, wird es für den Verstand schwierig, die höhere Zahl zu registrieren. Aus diesem Grund ist es eine gute Idee, viele Elemente zusammenzusetzen Gruppen von ungeraden Zahlen, wann immer möglich.
Drittelregel
Die Drittelregel soll Ihnen helfen, die Hauptelemente und den Schwerpunkt innerhalb der Komposition zu platzieren.
Stellen Sie sich ein imaginäres Gitter vor, das das Bild in neun gleiche Teile unterteilt, wie ein Tic-Tac-Toe-Gitter. Das Verhältnis beträgt 1: 1 pro Rechteck.
Die Drittelregel ist ein guter Anfang. Es verleiht Ihren Bildern Harmonie und hilft Ihnen, als neuer Fotograf die ersten Schritte in der Komposition zu unternehmen. Tatsächlich kann es für viele Bilder funktionieren, insbesondere für Landschaften.
Wenn es um Lebensmittelfotografie geht, kann diese Regel jedoch einschränkend sein. Sie können Bilder erstellen, die unausgeglichen und umständlich sind.
Das Phi-Gitter ist ein ähnliches Konzept, das leistungsfähiger ist als die Drittelregel. Beide Gitter sehen fast gleich aus, aber die Mittellinien des Phi-Gitters liegen näher beieinander.
Das Phi-Gitter
Phi Grid
Das Phi Grid ist ein Ausdruck des Goldener Schnitt. Es hilft Ihnen, ein ausgewogenes und natürlich ansprechendes Bild zu erstellen.
Das Phi-Gitter folgt dem Verhältnis von 1: 1,618, einem Verhältnis, das von Natur aus konstant ist und zu dem wir automatisch tendieren.
Es kommt in der ganzen natürlichen Welt vor, von einer Nautilusschale bis zur Anzahl der Blütenblätter in einer Blume.
Sie können den goldenen Schnitt überall auf der Welt um uns herum finden, obwohl niemand genau erklären kann, warum er so existiert.
Sie können dieses Wissen in Ihrer Fotografie verwenden. Wenn Sie darüber nachdenken, wie sich das Auge durch ein Bild bewegt, und einen Ausdruck des Goldenen Schnitts einbeziehen, können Sie Bilder erstellen, die das Gehirn als ästhetisch attraktiv und harmonisch erkennt.
Negativer Raum
Positiver Raum ist der Raum, den Ihr Hauptthema einnimmt. Negativer Raum ist ein Bereich, in dem Ihre Augen ruhen können. Es bietet Gleichgewicht, ein wenig Raum zum Atmen und betont das Thema.
Negativer Raum kann Bewegung darstellen und einem Bild Kontext geben. Es kann dem Betrachter auch die Idee geben, dass es eine Geschichte gibt, die über das hinausgeht, was das Auge sieht.
In der Lebensmittelfotografie besteht die Tendenz, aufgrund der Textplatzierung mit viel negativem Platz zu fotografieren, insbesondere bei Zeitschriftenarbeiten, Produktverpackungen oder Werbung.
Wenn ein Bild keinen negativen Raum nutzt, kann es sich etwas klaustrophobisch und unübersichtlich anfühlen. Wenn in einem Bild zu viel los ist, ist sich der Betrachter nicht sicher, wo er suchen soll.
Wiederholung
Wiederholte Elemente machen ein Bild auch interessanter. Wiederholungen können spontan im Subjekt auftreten oder durch hinzugefügte Elemente wie Requisiten und unterstützende Inhaltsstoffe erzeugt werden.
Manchmal können Muster eintönig werden, so dass das Aufbrechen eines Musters ein stärkeres Foto erzeugen kann.
Es gibt verschiedene Möglichkeiten, einen Musterbruch zu erstellen, z. B. einen Bruch in Farbe, Form, Größe oder Textur. Wo Sie diese Pause platzieren, ist entscheidend; Sie möchten es an einem Ihrer Brennpunkte oder entlang sich kreuzender Linien platzieren.
Farbe
Farbe ist ein wichtiger Bestandteil einer Komposition. Es ruft Emotionen hervor und erzeugt ein Gefühl der Stimmung innerhalb eines Bildes.
Kühle und dunkle Farben wie Marineblau und Schwarz treten zurück, während helle oder warme Farben wie Gelb Objekte nach vorne bringen.
Zu helle Hintergründe und Oberflächenfarben können unser Motiv beeinträchtigen. Sie sollten entsprechend der Stimmung ausgewählt werden, die Sie erstellen möchten, sowie im Einklang mit den von Ihnen ausgewählten Elementen.
Farbkombinationen können monochromatisch sein, wenn es sich um Tonabweichungen innerhalb eines einzelnen Farbtons handelt. Dieser Ansatz hat seinen Platz, aber die Verwendung von Komplementärfarben ist eine großartige Technik für die Lebensmittelfotografie.
Komplementärfarben erscheinen im Farbkreis direkt gegenüber, z. B. Rot und Grün oder Blau und Orange.
Das Farbschema, mit dem Sie arbeiten, wird teilweise von dem Essen bestimmt, das Sie aufnehmen.
Ihre Farben sollten auch so ausgewogen sein, dass nicht zu viele Farben in einem Rahmen enthalten sind, was chaotisch erscheint.
Textur
Eine der besten Möglichkeiten, Ihre Fotos interessanter zu gestalten, ist die Textur. Es fügt Kontrast und Detail hinzu und verbessert die Motive.
Texturen kommen auf natürliche Weise in Lebensmitteln vor, können aber auch effektiv in Hintergründen und Oberflächen sowie in Ihren Requisiten und Bettwäsche verwendet werden, sofern sie nicht übertrieben sind.
Viele Texturen im Essen, in der Bettwäsche und im Hintergrund können zu beschäftigt wirken und den Betrachter überwältigen.
Bearbeiten Sie Ihre Bilder
Adobe Lightroom ist ein hervorragendes Nachbearbeitungsprogramm. Es ist intuitiver und einfacher zu erlernen als Photoshop.
Ich empfehle, Lightroom zu verwenden, um Ihre globalen Anpassungen vorzunehmen und Ihr Bild bei Bedarf in Photoshop zu optimieren. Zum Beispiel, wenn Sie an bestimmten Bereichen des Bildes arbeiten müssen.
Schauen wir uns die wichtigsten Werkzeuge an:
Das Histogramm
Es ist wichtig, ein grundlegendes Verständnis des Histogramms zu haben, um die Belichtung und die Farbtöne in Ihrem Bild richtig anzupassen.
Ein Histogramm bildet den Tonwertbereich eines Bildes ab. Die Helligkeit wird auf einer Graustufe grafisch dargestellt. Jedes Pixel im Bild ist einem Wert zugeordnet.
Schwarz ist links, während Weiß rechts ist. Sie finden die Graustufen dazwischen.
Die Verteilung der Töne im Histogramm gibt Auskunft über die Gesamtbelichtung des Bildes.
Ein großer Peak in einem dieser Bereiche bedeutet, dass das Bild bei dieser bestimmten Dichte viele Pixel aufweist. Eine offene Lücke im Histogramm bedeutet, dass bei dieser Dichte keine Pixel vorhanden sind.
Überprüfen Sie, ob Sie am schwarzen oder weißen Ende des Histogramms einen starken Peak haben. In diesem Fall ist Ihr Bild möglicherweise unter- oder überbelichtet.
Im Allgemeinen sehen die meisten Bilder am besten aus, wenn sie sowohl dunkle als auch helle Werte enthalten. Andernfalls fehlt ihnen möglicherweise der Kontrast und sie sehen flach aus.
Zuschneiden
Es ist eine gute Idee, das Bild zuzuschneiden und zu begradigen, bevor Sie globale Anpassungen vornehmen.
Um ein Bild zu begradigen, beginnen Sie in der Verwandeln Panel und klicken Sie auf -> Auto.
Wenn dies nicht funktioniert, können Sie eine der anderen Einstellungen ausprobieren oder manuell unter Freistellungswerkzeug.
Um auf das Zuschneidewerkzeug in Lightroom zuzugreifen, klicken Sie im oberen Bereich unter dem Histogramm auf das Rastersymbol. Oder schlagen R. für die Tastenkombination. Auf diese Weise können Sie Ihr Bild zuschneiden, indem Sie die Ecken mit dem Cursor einfügen.
Beachten Sie, dass das Werkzeug jede Seite des Bildes gleichmäßig zuschneidet, wenn die Sperre für das Schlosssymbol geschlossen ist.
Wenn Sie das Zuschneiden freigeben möchten, klicken Sie einfach darauf, um es freizuschalten.
Weißabgleich
Weißabgleich in einem sehr wichtigen Aspekt der Nachbearbeitung Ihrer Lebensmittelbilder.
Ich empfehle, mit einer Graukarte zu fotografieren und den Weißabgleich in der Nachbearbeitung anzupassen. Dies entfernt falsche Farbstiche und stellt sicher, dass Ihre Weißtöne wirklich weiß sind.
Eine graue Karte ist ein Stück grauer Kunststoff, das Sie in einem Geschäft für Kamerazubehör kaufen können. Es ist genau 18% grau, wonach Ihre Kamera beim Messen einer Szene sucht.
Machen Sie ein Foto mit Ihrer Graukarte in der Szene. Nehmen Sie in Lightroom die Weißabgleich-Pipette und klicken Sie auf die graue Karte. Es wird automatisch der richtige Weißabgleich abgelesen.
Das Basisfenster
In diesem Bereich können Sie möglicherweise viele Anpassungen vornehmen, bevor Sie sich für einen endgültigen Blick entscheiden.
Exposition Wenn Sie jedoch mit Ihren Schatten und Lichtern spielen, wirkt sich dies auf die Helligkeit des Tonbereichs in Ihrem Bild aus. Durch Ihre Weiß- und Schwarztöne können Sie die Töne präziser ausgleichen, als wenn Sie sich nur auf den Belichtungsregler verlassen.
Überprüfen Sie, ob die hellen Bereiche schlammig aussehen oder die Schatten noch mehr Licht benötigen. Bewegen Sie die Schieberegler an Punkte, an denen das Bild insgesamt gut aussieht.
Sie müssen wahrscheinlich zurückgehen und Ihren Belichtungsregler neu einstellen, sobald Sie Änderungen mit den anderen Schiebereglern vorgenommen haben.
Lebendigkeit & Sättigung
Lebendigkeit ist auch ein wichtiger Schieberegler bei der Bearbeitung von Lebensmittelfotografie.
Es ist ein besseres Bearbeitungswerkzeug als S.aturation weil es subtiler ist. Es passt die weniger gesättigten Farben an, ohne die bereits gesättigten zu verstärken.
Durch die Vibration wird zuerst die Sättigung der gedämpften Farben und dann der anderen Farben erhöht.
Ob Sie den Sättigungsregler tatsächlich verwenden, hängt vom Bild ab. Im Allgemeinen funktioniert ein konservativer Ansatz am besten, wenn Sie die Lebensmittelfotografie bearbeiten.
Wenn Sie diesen Schieberegler verwenden möchten, schieben Sie ihn ein wenig nach oben auf etwa +5 oder +6.
Tonwertkurve
Neue Benutzer finden oft die Tonwertkurve herausfordernd, aber es ist eines der leistungsstärksten Tools in Lightroom.
Die Tonkurve ist ein Diagramm, das zeigt, wo die Töne in Ihren Bildern liegen. Die untere Achse der Tonkurve beginnt mit Schatten ganz links. Es endet mit Highlights ganz rechts. Die Mitteltöne fallen in der Mitte in einem Bereich von dunkler bis heller. Sie werden dunkler, wenn Sie sich nach unten bewegen, und heller, wenn Sie sich um die Achse nach oben bewegen.
Sie können die Helligkeit und Dunkelheit Ihrer Töne steuern. Verstelle die Punktkurve selbst oder die Regionskurve.
Die Region verfügt über Schieberegler für jeden Teil des Tonumfangs. Wenn Sie jeden Schieberegler ziehen, ändern sich sowohl die Kurve als auch das Bild.
Um Anpassungen an der Punktkurve vorzunehmen, klicken Sie auf den Bereich, den Sie beeinflussen möchten. Dadurch wird ein Ankerpunkt erstellt, an dem der Ton gesteuert werden kann.
Wenn Sie den Punkt nach oben ziehen, wird dieser Ton heller. Wenn Sie es nach unten ziehen, wird es dunkler.
Bewerten Sie die Mitteltöne in Ihrem Bild, um festzustellen, ob sie bereits hell sind. Wenn nicht, klicken Sie auf die Mitte der Tonkurve und bringen Sie den Punkt nach oben.
Wenn sie zu hell sind, senken Sie die Kurve. Überprüfen Sie die anderen Teile Ihres Bildes.
Wenn Sie gerade erst mit dem Erlernen der Tonkurve beginnen, spielen Sie zuerst mit den Reglern der Region. Beachten Sie, wie sich die verschiedenen Schieberegler auf die Kurve auswirken.
Unabhängig davon, welchen Ansatz Sie wählen, achten Sie darauf, das Histogramm zu beobachten, wenn Sie Änderungen vornehmen. Auf diese Weise stellen Sie sicher, dass Sie keine wichtigen Details verlieren.
HSL
HSL steht für Farbton, Sättigung, und Luminanz. Hier balancieren Sie die Farben in Lightroom.
Farbanpassungen sind normalerweise subjektiver als Tonanpassungen. Dies liegt daran, dass Farbe einem Foto ein Gefühl von Stimmung verleiht.
In diesem Bereich gibt es zwei Möglichkeiten, Farbanpassungen vorzunehmen. Sie können sie alle auf einmal unter anpassen HSL / Alle. Oder jede Farbe einzeln unter der Farbe Registerkarte oben im Bedienfeld.
Das Farbton Auf der Registerkarte oder im Abschnitt oben im Bedienfeld können Sie auswählen, wie warm oder kalt die einzelnen Farben in Ihrem Bild sein sollen.
Zum Beispiel finde ich, dass Grüns fast immer wegschauen. Ich schiebe die Grüns etwas mehr nach links oder rechts, damit sie realistischer aussehen.
Schieben Sie es nach links, um Ihren Grüns mehr Wärme - also mehr Gelb - zu verleihen. Wenn Sie für einen kühleren Farbton nach rechts schieben, wird mehr Blau hinzugefügt.
Das Sättigung Der Schieberegler im Basisfenster passt die Farbe des gesamten Bildes an. Die Sättigungsregler hier passen jedoch jede Farbe einzeln an.
Wenn Sie eine Farbe so einstellen, dass sie gesättigter ist, wirkt sich dies auf die Sättigung dieser bestimmten Farbe im gesamten Foto aus.
Unabhängig davon, ob Sie im Basisbedienfeld oder im HSL-Bedienfeld arbeiten, erfordert die Sättigung eine leichte Hand.
Zuletzt, Luminanz beeinflusst die Helligkeit der Farbe. Diese Schieberegler sind wertvoller als die Sättigungsregler. Arbeiten Sie also zuerst mit diesen.
Beim Bearbeiten in Lightroom dreht sich alles um das Gleichgewicht. Gleiches gilt für die Arbeit mit den Einstellungen für Farbton, Sättigung und Luminanz.
Schärfung
Das Schärfen sollte der letzte Bearbeitungsschritt sein. Es fügt einen Kontrast zwischen Pixeln und Kanten hinzu, wodurch eine Definition und ein verfeinertes Erscheinungsbild erzielt werden.
Sie müssen jedoch nicht das gesamte Bild schärfen, da es in der Lebensmittelfotografie nicht sinnvoll ist, die Requisiten und den Hintergrund zu schärfen.
Der Fokus liegt auf dem Essen, also schärfen Sie es.
Maskieren Sie dazu in Lightroom das Bild, um die Bereiche des Bildes auszuwählen, die Sie schärfen möchten. Halten Sie die Taste gedrückt Alt / Option Taste beim Klicken auf Maskierung in dem Schärfung Panel.
Lightroom zeigt Ihnen in Weiß, wo das Schärfen angewendet wird. Ihr Bild sieht aus wie eine Röntgenaufnahme.
Schieben Sie es nach rechts. Je weiter Sie nach rechts gehen, desto weniger wird das Bild geschärft.
Sie werden feststellen, dass Sie sich im Bereich + 70-80 für das Schärfen für die Lebensmittelfotografie befinden.
Abschließend
Es gibt viel zu lernen, wenn es um das Fotografieren von Lebensmitteln geht, aber hoffentlich hat Ihnen dieser Leitfaden einen Überblick über das, worum es geht, und einige Ideen, wie Sie Ihre Bilder verbessern können.
Je mehr Informationen Sie haben, desto mehr können Sie Ihre kreativen Entscheidungen treffen.
Vor allem viel Übung bringt Sie auf die nächste Stufe Ihrer Food-Fotografie.